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Felipe Franco Munhoz is a young Brazilian poet whose song Bombas found it’s way to the top of Neil Young’s official webpage dedicated to the rising generation. As I bonded instantly with Bombas, I pursued him for a first mail interview and we’ve been in contact ever since. Turned out that there was much more than meets the eye with this young man. At the age of five he started writing, at twelve he entered a journal, at sixteen he quit, sang in front of a live audience and wrote Bombas. Now in his twenties, he won a national prize for finishing an essay about Philip Roth…. while finishing Communication school, shaping up a promising collection of short stories and thinking about a first album. Somewhere in between he befriended some top international writers. For our first mail interview, he mentionned singing Leonard’s songs in front of a punk audience, reminding me of what Leonard said about Death of a ladie’s man eventually getting some feedback from this very audience. My editor in chief Patrice Clos thought it was a good idea to expand on that. And as I see the Future of Brasilian poetry in Felipe Munhoz, here are some facts about him singing Leonard Cohen songs in punk venues.
How did Leonard Cohen appear into your life? What was the first song? Is it related to a girl?
I was fifteen or sixteen years old. I was a Bob Dylan’s fan, and searching for more folk music, with deep meaning lyrics, I found Leonard Cohen. I can remember clearly the day I was alone in my bedroom, concentrated, listening to Suzanne, thinking « How could I ignore it until today? » Even being a teenager. And while that beauty – She shows you where to look / Among the garbage and the flowers – was touching my heart, I’ve became an instantaneous Cohen fan too. And a little later, it was as if there was only Cohen: the grocer of despair, the voice of my personal anguish and despair, the greatest composer of all. I still think that he’s among the best ones.
How come did you get to play gigs and punk gigs?
I’m writing lyrics since I was a child, since I get my first guitar. Bad lyrics first, naturally; but I’ve grown up, while they were growing up. And it was a little later, close to that moment which I’ve discovered Suzanne, when I started singing on stage. Although it’s between my influences, I’m not exactly a folk singer. I’ve never been. Nor – not even close to – a punk singer. The fact is that I have a friend, Jr. Ferreira, who owns a legendary Brazilian punk club named 92Degrees (see a clip there: http://www.youtube.com/watch?v=2OkPKl0dNeU).
At his club, in my teens, I’ve seen bands like G.B.H. and The Vibrators. You see?, true underground. My friend Jr. belongs to a rare kind of generous human beings. And he opened his doors to me. Come on, Felipe, come play your songs; no matter the style. Then I was at his black-and-white stage, alone, sometimes in a black suit, letting myself and my songs grow even more: playing something between folk music and jazz and bossa nova.
How come did you get to play Leonard Cohen’s songs?
When Songs of Leonard Cohen hit me, I started, immediately, to learn its chords on the guitar. Personal joy. Obviously, I had to transport them from my bedroom to my shows.
What was the purpose? Were you in love? Did you want so send a message or provoke something?
I think those magnificent songs are candles in the chaos. Even the darkest songs of Leonard Cohen, even those which translate perfectly our terrible souls’ suffering, I think they work that way. Lighting. Like a sad face painted by Van Gogh. It’s fine art – it’s sublime. Singing them was not a provocation, not at all. It hadn’t a purpose, too; neither was a love message. Only some music I enjoyed to play, which have the power to illuminate and burn my own soul.
What was the audience’s reaction?
For that spiky-haired audience, I was the strangest alien; but I was always respected. It made me happy: see the crowd in silence, listening. To a Cohen’s song, a song of mine, or any other. That attention was really kind. Or, maybe, something was happening in their souls. Or it worked as a candle in their chaos too. Sublimating. Because we all live in some kind of anguish and despair, and we all can get caught, suddenly, by any expression of sincere art.
 Federico Garcia Lorca
I can only second that. Do you have any track of this?
No, unfortunately. But I wrote a waltz, in Portuguese, of course, which refers to both Take this waltz and (the Garcia Lorca’s) Pequeño vals vienés. It’s called Pequena valsa paulistana. The narrator loses his beloved and, remembering the song and the poetry, confuses himself thinking that she could have left São Paulo for Vienna. I’ll probably, someday, record it properly. I hope so.
Is this anecdote playing Leonard Cohen songs helped you later on to get into some woman’s pants?
I’m not Leonard Cohen: I don’t feel allowed to use his longings for my own pleasure. And, anyway, my girlfriend would kill me. But I tried, by myself, to write about her. Twice. First, some decasyllables verses, she took it well; then a letter short story called, roughly translated, The last words of us. The story is going to be part of a compilation of letters, with some of the best Brazilian writers, as Humberto Werneck, Marcelino Freire and José Castello, that I’m setting up. She said – before throwing its pages to the fireplace: couldn’t you at least have changed my name? Maybe, if Mr. Cohen let me, now I should try Hey, that’s no way to say goodbye.
Sylvain Thuret
Tomara que bombas virem bumerangues
October 2011
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Protest strong, an interview with Felipe Munhoz on La Mensuelle (august 2010):
http://lamensuelle.over-blog.fr/article-an-interview-with-felipe-munhoz-54979602.html
Felipe’s Bombas video ranked third, as of now, in Neil Young’s official Living With War charts:
http://www.neilyoung.com/lwwtoday/lwwvideospage.html
Au commencement, Hallelujah est le cinquième morceau de Various Positions, premier album ayant marqué le tournant musical « synthétiseur ». En 84, faut-il le rappeler, la bohème des sixties, c’était bel et bien terminé, Game over et cet accompagnement apparaissait alors comme être le top du top de la modernité. Une fois passé le choc initial des boites à rythmes – on est plus tout à fait dans l’intimité troublante de ce piano inédit habillant la frêle One of us cannot be wrong pour la BBC en 68, qui dans l’Histoire des formes est étonnamment proche du premier Mojave 3 – on a découvert un grand album, peut-être l’un des tous meilleurs : If it be your will où il demande à Dieu, sur répondeur, si il doit la fermer pour de bon, quand tant d’autres ne demandent rien à personne et nous brisent les esgourdes, Night comes on, qui semble recenser sa propre vieillesse, la disparition de ses parents et sa condition de père, son précédent album aux accents Tziganes, Recent songs, avait été dédié à sa mère en 79, Heart with no companion… tout ça fait partie de ce qu’il a fait de mieux. Et même le Mouskourien Dance me to the end of love est une révélation.
Quant à Hallelujah, aujourd’hui sa chanson la plus connue du très grand public, je trouve que c’est un machin assez étrange, pas forcément agréable à écouter, mais foutrement bien écrit. Il y mêle le désir et la révélation divine de manière très crue et beaucoup se tanneraient de pouvoir écrire une ligne comme « tu avais besoin de preuves pour croire, et tu l’as vue dénudée ».
Le folk en 84 donc, has been. CBS ne voulait même pas distribuer cet album aux Etats-Unis. De même que Johnny Cash sera lui complètement lâché quelques années plus tard. On entrait dans l’ère de Huey Lewis & the News pour le grand public et de Public ennemy pour la tendance. Et c’est Bruce Springsteen qui allait occuper le terrain du milieu entre les shows dantesques dans les stades et une écriture héritière de Dylan.
Pour Hallelujah donc, c’était mal barré. A la toute fin des années 60, notre Leo international, alors au tout début de sa carrière discographique, s’en est allé goûté aux beats à New York. C’est sa période Chelsea Hotel. On dit que le fit ne s’est pas fait. Sauf avec Lou Reed qui l’aurait accueilli comme un égal. Pendant qu’ils buvaient un coup, un serveur un peu leste avec Coco s’est vue recevoir la gifle verbale »Hey vous savez qui c’est ? C’est le mec qui a écrit Beautiful losers ». Et Leonard de tomber raide dingue de Nico, comme à peu près tout le monde à cette époque. En 2009, c’est Lou Reed qui intronise son pair au RRHOF, C’est là qu’il a résidé au Chelsea Hotel, un haut lieu de la bohème artistique où ils se cotoyaient, et pas que ça, à peu près tous.
En 90, sur l’injonction des Inrocks, qui était alors le summum de la branchitude, la vraie, celle qui vous fait découvrir des trucs avant/après dans votre vie et pas consommer de la bouse vaguement fréquentable pour soirée entre bobos atteints de surdité, une compil hommage se monte, réunissant la crème de la crème. Et John Cale, co-fondateur du VU avec le Loulou, de demander à Leo les manuscrits sacrés de la chanson. Dans la très belle bio de Victor Bockris enfin traduite Au Diable Vauvert, Cale dit qu’il a reçu les 15 couplets originaux dans lesquels Cohen a tranché.
Dylan à table, face à Cohen, lui demande combien de temps pour accoucher d’Hallelujah. Réponse : 15 ans.
15 couplets, 15 ans : un couplet par an ?
On a pu lire que Cale a réécrit la version de Cohen en ajoutant des choses. Mais à la lueur de ces informations, il est tout a fait raisonnable de déclarer « new shit has come to light ». Si Cale dit avoir reçu les saintes écritures dans leur version complète, uncut et non rabotées, il se pourrait bien qu’il ait pu intégrer ces nouveaux éléments à partir de vers unsung.
En 1994, le fils de Tim Buckley, Scott Moorehead, sort son premier album, sous le nom de son père. Avec en track 6 une version bleue cristalline de la prière. Pas tout seul, Jeff déclare, toujours dans les Inrocks, qu’il s’est inspiré de la version Cale, qu’il est un peu effrayé par le côté secte des fans de Cohen qui se masturbent au soleil en l’écoutant (mot pour mot) et que le son de sa voix traduit la présence d’un amant redoutable.
Pour un premier album, Grace est un coup de maître, entre free jazz, Edith Piaf, Cohen et Led Zeppelin (d’après son propre aveu, sauf pour le côté free que personne n’a jamais mentionné, Mojo Pin ne ressemblant pas vraiment au tout venant à guitare qu’on a l’habitude de nous faire avaler). Album du mois directos pour Rock & Folk, interview extensive dans les Inrocks. La pochette à elle seule commande l’achat de ce classique instantané. Je regarde son concert à l’olympia à la télé. Un jeune castrat en transe mouille un simple t shirt tout en faisant l’amour au public. L’intensité est immédiate, marquante, monstrueuse.
Mais Jeff a la très mauvaise idée de nous quitter trois ans plus tard. Le monde perd un artiste de premier plan, qui avait justement l’étoffe d’offrir à la chanson d’autres standards, Piaf level. Ce qui a pour effet de provoquer un effet « seconde vague » auprès des minettes, la disparition du beau gosse voit son visage se multiplier, frolant même la couche mass media. Sa version d’Hallelujah prend de l’ampleur. Pour toute une génération de jeunes branlus, c’est une chanson de Jeff Buckley.
Puis en 2001, il se passe un truc complètement incongru, que personne n’aurait pu prédire et relevant de la couche mass media, cette fois à l’échelle interplanétaire. Le studio Dreamworks, fondé par les media moguls Spielperg, Katzenberg et Geffen, sort Shrek pour prendre du terrain sur Pixar. Là où Pixar joue le classicisme et l’évidence avec Randy Newman, Dreamworks s’avance du côté du pastiche et du mélange des genres, en empruntant beaucoup dit-on aujourd’hui, au ton loufoque de Princess Bride. Le film pastiche ainsi les contes et les films de Disney, avec des morceaux pop des années 80. Au milieu de ce grand fourre tout, Hallelujah de Cale est utilisé. En 84 CBS refuse le territoire US pour la sortie de Various Positions, 2001 Hallelujah est mise dans les oreilles de trillions de gens. Si c’est la version de Cale que l’on entend dans le film, c’est celle de Rufus Wainwright qui est gravée sur le disque de la bande originale. Visiblement une obscure question de droits… et le trouble dans la tête de pas mal de monde.
Une chanson ultra littéraire et codée mêlant sexe et religion devient ainsi, à force de reprises talentueuses et de chemins autres que l’habituel promo radio-télé à l’instant T, un household hit, soit un truc connu et partagé par ton pote l’esthète, ta cousine de 8 ans et le lectorat de Femme actuelle.
On en trouve même une moquerie, que je trouve plutôt drôle, perpétrée par un français, qui vous donne la recette des pâtes : http://www.youtube.com/watch?v=1vRD0FW7-L4
Mais le vrai truc qui marque l’établissement de la chanson comme machin pop qui passe en radio, c’est la reprise de la chanson dans des émissions « crochets » aux US. On atteint là le guimauve level : http://www.youtube.com/watch?v=cuyo9ZtGVU4
La phase ultime du grand n’importe quoi, c’est quand des prêtres bien de chez nous décident de massacrer la chanson. Patrice Clos écrit aux autorités en place, rien n’y fait. Le disque est un carton et la France et la musique, ça demeure toujours un grand mystère.
Pendant ce temps là à Vancouver, les JO ont la bonne idée d’ouvrir la cérémonie avec une chanson de leur poète officialisé, et c’est la compatriote androgyne KD Lang qui s’y colle. Hallelujah est à nouveau diffusée en mondovision, cette fois en direct. Avec ce tour assez drôle de paroles intimant de « descendre la compétition » (how to shoot at someone who outdo you).
Le business de la musique pop m’estomaque toujours. On essaye toujours de nous vendre de la soupe, y compris à l’heure du web et du chacun cherche ses tunes, mais Hallelujah est une preuve terrible qu’on ne peut pas advitam ignorer le talent et que « la promo » ne fait pas tout. L’autre jour j’entendais du Clap your hands say yeah dans Je vends ma maison sur M6. Et du Joy Division dans Confessions intimes.
Hallelujah ?
La relecture et l’icono photos/vidéos pour bientôt. Moi qui voulait proposer des Faits concis, je vous ponds un roman… Cette page est collaborative, si vous avez des précisions et infos pour enrichir ce texte ou la rubrique envoyez moi cela par mail à sylthuret@gmail.com !
Si vous tendez bien l’oreille au cours de la madeleine post 68 que représente Le Péril Jeune (Cédric Klapisch, 1995), vous reconnaitrez, au milieu d’une bande son réunissant Janis Joplin, Franck Zappa, Ten Years After et Jimi Hendrix, deux chansons signatures issues de Songs of…
Non citées dans le générique de fin, elles jouent pourtant un rôle important dans le nœud amoureux entre le personnage de Bruno (Julien Lambroschini) et la jeune prof d’anglais au pair Barbara (Lisa Faulkner). Voici les deux moments clefs de leur utilisation. Prétextant d’être nul en anglais, ce qui l’empêche d’exercer ses talents d’apprenti chanteur folk-rock à tendance bab, Bruno tente une approche auprès de la belle Barbara, en lui chantant une version yaourt de Suzanne. De mémoire cela donne quelque chose comme « Suzanne bouen ma donnen… ». Il conclue ainsi que « ça lui fout la biffe, bref la honte » et qu’il aurait besoin de précieux cours de langues avec elle pour improver tout ça.
La rejoignant dans son « squatt, drogues & rock’n roll », reflet des idéologies communautaires et des expériences en tout genre dans l’air du temps, ils intensifieront les relations France-Angleterre. Après avoir amorcé un triangle amoureux en direction de Tomasi (Romain Duris), Barbara chante a son jeune amant éperdu, dans un anglais forcément impeccable, Hey thats no way to say goodbye. Ainsi, elle le tue tendrement au petit matin en le berçant de mots très clairs : elle ne peut être totalement à lui. Dans les liner notes du Greatest Hits publié en 1975 – la même année pendant laquelle le film se déroule - Cohen disait à propos de cette dernière chanson, « I am in the wrong room, I am with the wrong woman».
Suzanne ou l’amour aveugle, suivie d’une chanson du lendemain, où la notion de couple au sens traditionnel est morte, le tout en contrebande d’une bande son qui a probablement couté une petite fortune : cette utilisation sous terraine est habile car elle renvoie à la place toujours discrète et significative que Cohen a occupé sur la scène 60-70’s. Loin des tourments de la rue, sa chanson s’est principalement concentrée sur la chambre et le couple, à la manière du film The Graduate de Mike Nichols, tournant volontairement le dos aux manifestations des étudiants pour se concentrer sur les secrets d’alcôve et la place du couple dans ces années de remise en question sociales et sexuelles.
C’est je crois, parce qu’il revêt ce caractère intime, celui du murmure, que son œuvre sera toujours plus libre et déliée d’un étiquetage parfois réducteur, que doit porterDylan ou que l’on plaque sur l’oeuvre d’Elvis. L’hommage est donc tangible, l’un des plus beaux rendus à l’auteur par le biais du cinéma. Etiqueté « culte » par une génération sur le point de subir les années molles, qui se mit à jurer que Pulp Fiction et Fight club c’est « vraiment mortel », Le Péril Jeune demeure un mélodrame naviguant entre rires et larmes, suivant le parcours émouvant de « flèches sans cible » pour reprendre True love leaves no traces, avec un regard nostalgique sur cette époque révolue. C’est le miroir d’un tournant, à un moment où le bordel avait encore droit de cité et la jeunesse n’était pas encore un vain mot se résumant aujourd’hui à deux lettres : D&G.
Et si le cinéma de Cédric Klapisch s’est quelque peu embourgeoisé jusqu’à l’auto-parodie, ce coup d’éclat datant de 1994, produit dans le cadre de la série thématique Les Années Lycée proposée par Arte, demeure, 15 ans après, toujours aussi marquant, obligatoire bref, hot saucisse.
ST
NOTES
Sur la fiche IMDB du film, seule Suzanne
est actuellement citée en Uncredited:
http://www.imdb.com/title/tt0110922/soundtrack
La France est aussi représentée par des morceaux de Barbara (Les voyages)
et Maxime le Forestier (San Francisco).
 Dans son film The Boat That Rocked (Pirate radio, une version tronquée aux US, Good Morning england chez nous, c’est du Toubon) Richard Curtis raconte l’épopée des premières radio pirates anglosaxonnes et s’en sert de parabole sur l’utopie manquée du rock n roll (le bateau qui prend l’eau), qui survit malgré tout grace à de petits espaces de création (les petits moteurs à la rescousse; le générique final affichant certains brits albums récents comme The Seldom Seen Kid du groupe Elbow).
N’en déplaise à Oui FM, qui considère que Leonard Cohen n’est pas vraiment du rock (ils sont certes plus occupés à vendre du Green Day et du Muse aux lecteurs boutonneux de Rock Sound), alors qu’il en a profondément changé le visage littéraire avec Lou Reed, Bruce Springsteen et Bob Dylan, les auteurs ont tenu à intégrer So Long Marianne au générique des dizaines de chansons géniales (les Hollies, les Stones, Otis Redding) utilisées pour imager cet eldorado musical qu’a représenté la décennie sixties et seventies.
Sur ce bateau pirate, notre personnage clef, qui nous introduit à toute l’équipe de DJs, est un jeune puceau récemment débarqué de son école et qui s’apprête à en connaitre une autre d’école : sex, drugs rock n roll (and friendship). Alors qu’il tombe amoureux d’une jeune fausse ingénue, ingénieusement prénommée Marianne, et qu’ils s’apprêtent a déflorer la rose, celle ci s’envoit en l’air avec un autre DJ , shuffled by Nick Frost, génial du début à la fin comme TOUT le cast, avec mention spéciale à son partenaire Bill Nighy se déhanchant sur les Stones et Philipp Seymour « Almost Famous » Hoffman qui nous balance les Kinks en guise d’apetizer. Et de se retrouver seul, premier chagrin d’amour, à essuyer ses larmes sur 2 minutes complètes de Leonard Cohen. J’ai chronométré.
Le génie musical du film est de jouer sans cesse sur l’ambiguité de la diffusion musicale : ce sont souvent les disques joués infra par les DJs qui illustrent l’action. Pour cette séquence précise, cela est génialement laissé en suspens. La scène, un long plan fixe de deux minutes sur le banc des laissers pour compte de l’amour, est à mourir de rire.
Loving Leonard Cohen since 1994, for you all, ST
Sources
The Boat that Rocked, Richard Curtis (2009)
http://www.imdb.com/title/tt1131729/
La photo est issue par de l’édition Blue Ray du film,
proposant l’affichage des titres joués en haut à gauche de l’écran.
 
La dernière fois que je me suis rendu au Reflet, café jouxtant la place de la Sorbonne, Cohen cotoyait Coltrane sur le mur. Le vynil de The songs of forniquant avec A love Supreme. Une certaine idée des choses en somme. Un peu plus loin chez Gibert, on trouve toujours les oeuvres complètes de Bruel et Obispo en occaz à 3 euros. C’est fou comme certains boulevards peuvent ressembler à des fossés.
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